Arte vivo en la plaza 2026

"Sonallada. Trashumancia de arte, cultura y tradiciones" es una acción sonora vinculada a la memoria de la trashumancia como práctica cultural, social y simbólica. 

A partir de la idea de la cencerrada, entendida como una forma de acción colectiva, y de la palabra sarda sonalla, Mónica Mura acuña el término Sonallada para nombrar una intervención propia basada en la activación de cencerros artesanales forjados por maestros herreros.

La artista desplaza el sentido tradicional de estos objetos, ligados históricamente a rituales apotropaicos y a imaginarios masculinos, para convertirlos en una herramienta de resonancia colectiva desde una mirada contemporánea. A través del sonido, del cuerpo y de la presencia en el espacio público, la acción propone una relectura de la tradición en la que la voz de las mujeres ocupa un lugar central.

"Al pie de la letra" es una acción performativa que parte de la interpretación literal de refranes, frases hechas y expresiones populares que forman parte de nuestro lenguaje cotidiano. A partir de ese gesto, Sara Gema lleva al cuerpo, a la imagen y a la acción palabras que solemos usar casi de manera automática, generando situaciones inesperadas que descolocan, divierten y abren nuevas lecturas sobre aquello que decimos sin pensarlo demasiado.

La pieza pone el foco en cómo el lenguaje atraviesa la vida diaria mucho más de lo que parece. Esas expresiones heredadas, compartidas y repetidas una y otra vez aparecen aquí convertidas en escenas vivas, activadas en tiempo real ante el público. El resultado es una propuesta cercana y accesible, pero también precisa, porque trabaja con una de las materias más presentes en lo cotidiano: la palabra.

Las plazas de los 11 pueblos será el lugar idóneo para que esta acción suceda. Al activar ahí estas frases y refranes, la pieza entra en contacto directo con el entorno y con quienes lo habitan. "Al pie de la letra" propone así una experiencia performativa que parte del humor para llegar a algo más hondo: una reflexión compartida sobre las palabras que usamos, las imágenes que construyen y la manera en que el lenguaje moldea nuestra forma de estar en el mundo.

"Vestirse de sol" parte del homenaje al icónico disfraz de sol de Ocaña. Comienza con Mocholi, en el centro de la plaza y una gran túnica blanca. Poco a poco, y gracias a la participación del público, va transformándose hasta convertirse en una pieza llena de color, escritura, deseo y memoria. Quienes se acercan eligen una cinta de raso, escriben en ella un deseo, sueño o anhelo, y la enganchan al traje del artista. De esta manera, los vecinos son quienes van construyendo el cuerpo de la performance.

A cambio, el artista entrega a cada participante otra cinta escrita por él con un verso, una copla o una breve frase poética, que además canta en ese mismo momento. La plaza se llena así de pequeños intercambios que dejan huella. Por un lado, el traje se transforma con cada nueva aportación. Por otro, cada persona se lleva consigo una marca física de lo vivido.

La referencia a Ocaña no aparece aquí como una cita nostálgica, sino como punto de partida para activar una forma de estar en el espacio público desde la exuberancia, la libertad y la potencia poética del cuerpo.

"Bordar el cuidado" es una propuesta participativa donde la plaza es un lugar de encuentro entre generaciones. A través del bordado y del trabajo con piezas de fieltro con formas inspiradas en el puzle Montessori, la acción invita especialmente a que niños y mayores compartan mesa, tiempo y conversación, construyendo juntos una experiencia creativa desde lo manual.

La propuesta nace de una idea sencilla, pero muy valiosa: bordar también puede ser una forma de encontrarse. En un contexto en el que muchas veces las generaciones conviven sin apenas detenerse unas con otras, esta acción abre un lugar concreto para estar juntos, colaborar, aprender y disfrutar del tiempo compartido. La plaza se convierte así en un pequeño taller abierto donde la creación sirve también como excusa para propiciar vínculos, escucha y transmisión.

Cada participante trabaja a su ritmo: los niños se acercan al juego, al color y a la experimentación con las formas, mientras que las personas mayores aportan experiencia, atención al detalle, memoria del gesto y una relación cercana con las labores textiles.

"Un pueblo imaginado" es una propuesta de pintura en vivo que recupera la figura del retratista ambulante para llevarla a un imaginario contemporáneo, simbólico y fabulador. 

Julio Linares instala en la plaza un pequeño puesto de pintor, con telas, ornamentos y elementos de atrezzo que le permiten construir una escena cambiante, abierta al juego con la luz, el color y la pose. Desde ahí, invita a vecinos y vecinas de cada pueblo a sentarse y ser retratados.

La propuesta parte del retrato del natural, pero se aleja deliberadamente de una representación realista. Lo que le interesa al artista es interpretar a cada persona desde una dimensión mitológica, imaginando en cada rostro y en cada gesto una figura posible entre lo humano, lo legendario y lo simbólico. Los retratos no buscan copiar la apariencia, sino transformarla, exagerarla o desplazarla hacia una imagen más libre, extraña y poética.

De este modo, la acción convierte a quienes participan en protagonistas de una pequeña ficción visual. Cada persona retratada entra por un momento en otro registro, como si la plaza se abriera a un tiempo paralelo en el que sus habitantes pudieran aparecer como criaturas solares, personajes antiguos, guardianes, musas, héroes domésticos o figuras surgidas de una mitología popular todavía por inventar. La pieza conecta con el arte contemporáneo y convierte a la plaza en un taller, escenario y lugar de observación compartida, donde mirar y ser mirado forman parte de la experiencia.