Así fue... Red Itiner 2026

Esta exposición presentó por primera vez los dibujos que Eduardo Arroyo (1937-2018) realizó en París en 1963, poco después de instalarse en la capital francesa como exiliado político. En ella se pudieron ver ochenta ilustraciones originales publicadas por la revista “Point de Vue - Images du Monde” y que constituyen el punto de partida de su larga trayectoria artística.

En estas obras se aprecia ya el estilo del genio madrileño. De hecho, algunas de las figuras que aparecen son el germen de personajes que, con el tiempo, se convertirán en protagonistas de su universo visual. Además, evidencian la crítica e ironía que caracterizaron toda su producción.

El trabajo de Eduardo Arroyo se inscribe en la figuración narrativa y el arte pop. Su mirada crítica y personal lo convirtió en uno de los mayores exponentes del arte español contemporáneo desde la segunda mitad del siglo XX. Su obra también obtuvo el reconocimiento internacional y hoy forma parte de importantes museos y colecciones de todo el mundo.

Comisariado: Álvaro Alcázar

Esta exposición de fotografías y testimonios de personas centenarias de la Comunidad de Madrid quiso crear un espacio donde los ciudadanos pudieran reflexionar sobre su legado.

En 2025, en España hay casi 20.000 centenarios y en la Comunidad de Madrid residen 1.700. El Madrid de los protagonistas de esta muestra, nacidos en las primeras décadas del siglo xx, comenzaba a modernizarse y a expandirse, pero todavía conservaba las desigualdades sociales y las tensiones políticas características de la época. En su juventud sufrieron la devastación de la Guerra Civil, que marcó profundamente a toda su generación, y sobrevivieron la dureza y pobreza de la posguerra. Gran parte de su vida adulta transcurrió bajo una dictadura. Han sido testigos de excepción de la transición española y la consolidación de la democracia.

Las personas centenarias han experimentado la transformación de la vida cotidiana gracias a los avances sociales, tecnológicos y científicos, y han disfrutado la riqueza de la vida madrileña en sus diversas formas: desde la evolución del arte y la cultura hasta el crecimiento de barrios icónicos o el desarrollo de la infraestructura del Madrid actual. Su longevidad representa un logro personal y, a la vez, un valioso vínculo con el pasado de una comunidad que ha sido escenario de momentos históricos cruciales.

Comisarios: Ignacio Gil y Rocío Gayarre

En 1565, el fraile agustino y cosmógrafo Andrés de Urdaneta, por mandato de Felipe II, dirige la expedición de la nao San Pedro en la que se descubre la ruta marítima conocida como el «tornaviaje». Esta atravesaba el océano Pacífico de Oriente hacia Occidente, desde el archipiélago filipino hasta Acapulco (México).

A partir de ahí se estableció la ruta del Galeón de Manila, que partía del puerto de esta ciudad cargado de té, especias, porcelana, jade, biombos, abanicos y seda. Una vez en Acapulco, la mercancía se transportaba por tierra hasta el puerto de Veracruz, donde se embarcaba de nuevo, junto con otros productos mexicanos como la plata y el oro, rumbo a Sevilla o Cádiz.

Uno de los objetos más demandados, y que simboliza y caracteriza el contacto español con Asia e Hispanoamérica a través de la ruta del galeón, es el mantón de Manila, una seda ricamente bordada en hilos de seda: con cuerpo asiático, colorido y exuberancia hispanoamericana y alma española.

Esta exposición presenta importantes mantones de Manila, de diferentes épocas y estilos, junto con otros objetos, como las cajas lacadas en las que viajaban los mantones, las monedas de plata —real de a ocho— acuñadas por la monarquía española en el siglo XVI, una maqueta del galeón o diversas postales antiguas.

Comisaria: Verónica Durán Castello

Esta exposición, que se sitúa en un territorio mixto entre las artes plásticas y la ciencia de la percepción, parte de una lectura especulativa sobre el color como catalizador de la experiencia artística y como instrumento de conocimiento tanto del arte actual como del propio individuo.

El color estructura nuestra vida cotidiana y la manera en que habitamos el mundo. Como señala Maurice Merleau-Ponty, «toda conciencia es conciencia perceptiva»: vivimos los colores en relación con el cuerpo y el entorno. Su percepción no solo depende de cualidades visibles —forma, textura, transparencia—, sino también de lo invisible —memoria, intuición, experiencias…—.

La muestra propone un laboratorio de fenomenología que desde la observación de las piezas se abre a un plano sensorial en el que los estímulos se activan según la condición física y emocional de cada visitante. En ese recorrido aparece la cesía, concepto de César Jannello para nombrar la apariencia visual de la luz en un instante único e irrepetible: brillos, texturas o transparencias que dependen del cuerpo y de la interioridad de quien observa.

A través de dibujos, estructuras, pinturas, esculturas sonoras y piezas de suelo, estos cinco artistas exploran aspectos esenciales de la creación plástica: luz, color, forma, geometría, movimiento y percepción.

El título, construido a partir de las palabras casi homónimas efecto y afecto, plantea nuevas relaciones entre obra y público. En tiempos de hiperconexión y scroll acelerado, detenerse en el color puede ser un acto de resistencia: una invitación a contemplar, sentir y habitar de otra manera.

Comisariado: Nuevos públicos/oficina curatorial

El término precine hace referencia al conjunto de prácticas, tecnologías, inventos y dispositivos que, a lo largo del tiempo, sentaron las bases para el surgimiento del cinematógrafo. Su historia abarca un amplio periodo histórico, desde los experimentos ópticos de la Antigüedad hasta la primera proyección pública del cinematógrafo de los hermanos Lumière en 1895, acontecimiento que marcó el nacimiento del cine tal y como hoy lo conocemos.

Esta exposición, que reunió piezas pertenecientes a la colección Mur, quiso mostrar cómo la curiosidad humana por la imagen en movimiento condujo a la invención del cine mediante un recorrido por los hitos que lo precedieron. Entre ellos destacan la cámara oscura, descrita ya en la Antigüedad y perfeccionada en el Renacimiento como herramienta artística; los teatros de sombras; las cajas ópticas, que permitían al espectador contemplar imágenes en perspectiva y con sensación de profundidad; las linternas mágicas, que proyectaban imágenes pintadas sobre placas de vidrio mediante una fuente de luz y un sistema de lentes; y los juegos ópticos, como el taumátropo, el fenaquistiscopio, el zoótropo o el praxinoscopio, basados en la ilusión de movimiento. A ello se sumó la invención de la fotografía, que permitió registrar la realidad con fidelidad, y otros avances que despertaron el deseo de ir más allá de la imagen fija.

El precine no es únicamente un antecedente histórico: constituye una clave imprescindible para comprender las tecnologías audiovisuales actuales y su influencia perdura de manera decisiva en la cultura visual contemporánea.

Comisaria: Bárbara Mur Borrás

El objetivo de esta exposición fue desentrañar el funcionamiento del lenguaje del cómic y sus mecanismos artísticos invisibles. A través de un recorrido visual, exploró los procesos subconscientes que intervienen en la lectura de una historieta y estuvo organizada en seis secciones: desde la viñeta individual hasta la secuencia y la página completa, pasando por el estudio de la composición, la creación de la historia final y el diseño de portadas icónicas.

La muestra incluyó más de sesenta piezas originales y reproducciones de destacados autores como Moebius, Hugo Pratt, Will Eisner, Carlos Giménez y muchos otros.

Aunque el cómic es una forma de narración visual rica y compleja, a menudo se subestima, considerándolo superficial o infantil. Desde la década de los sesenta hasta la actualidad, ha evolucionado con la creación de obras innovadoras dirigidas a adultos y el desarrollo de la «novela gráfica», elevando su reconocimiento artístico y social.

Un error común es considerar que la historieta es una versión menor del cine. Mientras que el cine presenta eventos de manera lineal, el cómic permite visualizar pasado, presente y futuro al mismo tiempo. Esta exposición busca resaltar la riqueza visual y narrativa de este arte, invitando al público a descubrir las conexiones, ritmos y armonías ocultos entre las viñetas para que transforme su manera de ver y leer cómics.

Comisario: Andrés Sanz Vicente

La historia de Japón estuvo dominada por los samuráis desde 1192 hasta 1868. En este tiempo, su código de honor se consolidó como el modelo de conducta de los japoneses.  El ideal del samurái era servir a su señor con una lealtad sin límites y un valor irreprochable, sin miedo a la muerte. Desde el periodo Edo (1615-1868), los artistas del grabado ukiyo-e popularizaron sus grandes hazañas. Estos guerreros y guerreras, pues también hubo mujeres samuráis, eran lo más parecido a lo que hoy son los superhéroes.

Gracias a una selección de cuarenta y cuatro grabados originales ukiyo-e de la colección Bujalance, podemos ver en la Comunidad de Madrid los trabajos de destacados artistas de la escuela Utagawa, especialmente de Kuniyoshi. De este modo, el público disfrutará de las hazañas de Minamoto Yoshitsune, el gran héroe del siglo XII; conocerá a los samuráis que lucharon por la unificación de Japón en el siglo XVI; admirará el valor de los leales que vengaron la injusta muerte de su señor a comienzos del siglo XVIII, y verá el ocaso de los samuráis en la segunda mitad del siglo XIX. Todo un recorrido gráfico por la apasionante historia de estos guerreros y guerreras japoneses.

En 2025 se cumplen 50 años de un momento clave en la historia de España. Esta exposición propone un paseo por 1975 a través de las fotografías del archivo del reportero gráfico taurino Santos Trullo (1938-1984). Contemplar estas imágenes nos permite asistir al momento que certifica el final de una época y el principio de otra, con sus conflictos, contradicciones y esperanzas, en un contexto —el del mundo taurino— en el que esas fricciones se muestran de manera intensa.

En ese año, El Ruedo —la revista taurina de referencia— deja de ser una publicación «temática» para convertirse en una «moderna»: se hace eco de los estilos presentes tanto en el diseño como en los contenidos de otras revistas y trata temas de la crónica rosa o sobre las formas de consumo y la opinión de la intelectualidad y la farándula del momento. Entre sus páginas podemos revisitar el ocaso de la dictadura, el auge del papel público de las mujeres (1975 es el Año Internacional de la Mujer), el fenómeno del destape…

La exposición ofrece el retrato social de una época que estaba llamada a protagonizar cambios trascendentales en nuestra reciente historia, a la vez que relata la crónica sentimental de toda una generación.

Comisario: David Trillo

Francisco Bores (1898-1972) es uno de los más importantes y singulares artistas de la pintura española contemporánea. En todo momento, a lo largo de su trayectoria como pintor, estuvo en el primer plano y muy por delante de sus contemporáneos españoles y extranjeros. Durante su juventud en Madrid, encontró su lugar en el rico entorno de la Edad de Plata de la cultura española, tan ligada a la Residencia de Estudiantes, lugar de encuentro ineludible de artistas e intelectuales como Salvador Dalí o Luis Buñuel. La efervescencia artística del Madrid de los años veinte se plasmó en sus dibujos y grabados ultraístas, en sus escenas de cafés y tertulias literarias, en las vistas de los teatros abarrotados de público o de la moderna capital madrileña.

En esta exposición se mostró una exquisita selección de obras de esta época que muestran tanto su dominio de las diferentes técnicas como su conocimiento de los distintos movimientos de vanguardia, como el cubismo o el futurismo. Lo aprendido durante esta etapa de formación madrileña resultará clave cuando en 1925 decide trasladarse a la capital francesa, donde se convirtió en uno de los más destacados representantes de la Escuela de París.

Comisaria: Genoveva Tusell

Esta exposición nos ofreció la oportunidad de adentrarnos en el particular mundo de Salvador Dalí, uno de los artistas más universales del siglo pasado, a través de un conjunto de obras que nos acercan a su faceta de ilustrador.

En 1950, el Instituto Poligráfico del Estado italiano encargó a Dalí una serie de xilografías para ilustrar la Divina comedia de Dante Alighieri (1265-1321) con motivo del setecientos aniversario, en 1965, del nacimiento del escritor. Esto suscitó una gran polémica, ya que el artista seleccionado no era italiano, por lo que, finalmente, el Gobierno decidió prescindir de sus servicios. Sin embargo, esto no impidió que Dalí continuara con el trabajo que ya había comenzado. Así, durante años dibujó un centenar de acuarelas y supervisó el proceso de transferirlas a las planchas de xilografía, que fueron talladas a mano. Un total de 3 500 tacos xilográficos, uno por cada color y unos 35 para cada acuarela.

Comisaria: Marisa Oropesa Ruiz