Así fue "Arte vivo en la plaza 2025"
Del 18 de julio al 7 de septiembre en once plazas de la región
En este verano, la Comunidad de Madrid volvió con Arte vivo en la plaza, un programa que celebra y difunde el talento creativo mediante acciones artísticas dinámicas y participativas ancladas en el alma de los pueblos: sus plazas, espacios conocidos y comunes por y para todos, y reinventándolas a través del prisma del arte.
Estos espacios, epicentros de la vida comunal, se convirtieron en lienzos vivientes donde el arte nace y se comparte sin reservas: un total de once encuentros donde cinco artistas contemporáneos dan vida a sus creaciones ante los ojos del público, invitándoles a explorarlas saliendo de los límites habituales de los museos, salas de exposiciones y galerías.
José Venditti, María Sánchez, Emmanuel Carvajal, Andrea Saiz y Checho Tamayo fueron el equipo artístico que comparte estos espacios públicos en encuentros con una duración de noventa minutos. Una oportunidad para conocer sus trabajos y creaciones de primera mano, conversar con ellos, intercambiar ideas y descubrir nuevos métodos de trabajo.
Arte vivo en la plaza 2025
Programa por fechas
Artistas participantes
"Tiempo Villas" con José Venditti
Tiempo Villas" es un proyecto de creación sonora itinerante para construir una red de memorias acústicas en tránsito. Durante once días, el artista sonoro José Venditti graba los sonidos cotidianos de cada villa —texturas del entorno, voces, gestos, objetos, paisajes— que se transforman en una pieza sonora al día siguiente, presentada en vivo en la siguiente localidad del recorrido.
Cada sesión de escucha es, por tanto, el eco de otro lugar: una villa que suena en otra, un retardo sensible que crea vínculos entre territorios a través del sonido. Solo la primera jornada parte de una grabación anticipada; a partir de ahí, la cadena se activa, generando un ritmo de resonancias sucesivas.
Más que representar cada lugar, "Tiempo Villas" propone que unos hablen a través de otros, componiendo una geografía sonora que desafía las lógicas del centro y pone en valor un tiempo propio para la escucha, el arte y lo común.
José Venditti
Compositor, artista sonoro y visual residente en Madrid. Su trabajo se centra en la exploración del sonido como material de creación, abordando las tensiones entre lo comprensible y lo abstracto, así como las dicotomías entre lo orgánico y lo digital.
Su práctica se desarrolla a través de la performance en vivo, la composición sonora y el live-cinema, desafiando las estructuras musicales convencionales mediante la deconstrucción y el procesamiento digital.
Ha editado obras en sellos como Audiotalaia, Crystal Mine y Autoplacer, y ha presentado sus proyectos en instituciones como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, La Casa Encendida, Tabakalera Donosti y el Festival Internacional de Arte Sonoro de Montevideo. Entre sus recientes trabajos destacan ECHOES, una pieza para la L.A. Contemporary Dance Company con coreografía de Idoia Rodríguez, y la performance ESPECTRO DORADO, creada junto a Marta Verde, que ha sido presentada en espacios como Teatros del Canal, Kursaal San Sebastián y el Festival RZM Barcelona.
Nostalgia" con María Sánchez
"Nostalgia" es una acción artística efímera que explora la fragilidad y dependencia inherente a la conexión humana.
Un haz de luz solar es trasladado cuidadosamente a través de una cadena de espejos sostenidos por múltiples personas, formando un recorrido luminoso desde su origen hasta un punto final determinado. La trayectoria no existe por sí misma, sino que surge únicamente a partir de la precisión, coordinación y voluntad colectiva. Cada participante se convierte en una pieza fundamental; un fallo individual rompe instantáneamente el delicado recorrido de luz, haciendo evidente nuestra interdependencia. Al cuestionar qué ocurre si alguien se mueve o deja caer el reflejo de la luz, la obra abre un diálogo sobre la incertidumbre, el error humano y la vulnerabilidad.
María Sánchez
Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca, actualmente desarrolla su tesis doctoral sobre el valor de la performance en la Universidad de Castilla-La Mancha (UCLM), bajo la dirección de Helena Cabello.
Su práctica artística se sitúa en la intersección entre la creación y la docencia, y se centra en la exploración de las relaciones personales, la presencia y lo corpóreo a través de la performance. Documenta habitualmente sus acciones mediante vídeo y fotografía.
En 2009, llevó a cabo una investigación en la Filmoteca Española sobre el Archivo EOC (Escuela Oficial de Cine), gracias a una beca del Ministerio de Cultura. Algunas de sus obras han sido proyectadas en Documenta Madrid 2020, el Festival Punto de Vista de Pamplona, el Festival PROYECTOR de videoarte, el Museo Oteiza, entre otros espacios, así como en numerosas ferias y festivales.
Como docente, ha impartido formación en centros como EFTI, Artediez, IED, LAV (Laboratorio Experimental Cinematográfico), la Escuela Superior de Diseño de Madrid y la Escuela de Arte Alberto Corazón.
"Yo, en color" con Emmanuel Carvajal
A través de retratos abstractos y conceptuales, Emmanuel Carvajal convierte un instante cotidiano en un momento de expresión, color y juego, sin pretensiones ni artificios.
Una alfombra vibrante y una silla especial configuran el espacio de encuentro para esta acción artista: en este entorno los retratos se realizan de forma rápida y espontánea, buscando capturar la energía del momento a través del gesto, el trazo y el color. Cada persona se llev consigo su retrato, una huella tangible de un instante compartido.
El cuerpo y la presencia de artista también forman parte de la obra. Mediante un vestuario cargado de color, texturas y formas inesperadas, su presencia se convierte en parte del dispositivo artístico, funcionando como catalizador de curiosidad, alegría y apertura. Un cartel sencillo acompaña la escena:“Si quieres que te pinte un retrato de colores, siéntate en esta silla.” La intervención busca generar un espacio sin jerarquías ni barreras, donde el arte se manifieste como una oportunidad de juego, encuentro y transformación.
Emmanuel Carvajal
Pintor y muralista mexicano reconocido por su innovador uso del color para transformar espacios y emociones. Vogue España lo describe como un artista capaz de “transformar el mundo a través de su arte vibrante”, mientras que Vanity Fair lo ha llamado “La Revolución del Color”, destacando su habilidad para usar el color como un poderoso medio de expresión.
Su trabajo, que abarca murales, lienzos e intervenciones urbanas, nace de un profundo deseo de conectar con el presente y desatar emociones a través de la imaginación. Ha colaborado con marcas globales como Apple, Google y Louis Vuitton, integrando arte y experiencia sensorial en sus proyectos.
Desde sus inicios pintando murales en México hasta su residencia en Madrid, Emmanuel ha construido un universo artístico que celebra la vida como un proceso de constante creación. En cada trazo y explosión de color, busca recordarnos que, incluso en el caos, siempre hay belleza y posibilidad.
"Lo que se dice volar" con Andrea Saiz
Según la física y la aerodinámica, el cuerpo de una abeja no está diseñado para volar. Pero lo bueno es que la abeja no lo sabe, así que simplemente vuela.
Antonie Magna y su asistente llegaron a la conclusión matemática de que el vuelo de las abejas era imposible. Aunque hoy en día estos cálculos ya han sido refutados, el famoso cartel sigue colgado en la NASA, recordándonos la curiosa paradoja.
De esta forma, lo imposible deja de ser solo un constructo mental para convertirse en una posibilidad tangible. Sin embargo, para lograr lo imposible, primero debes confiar en ti misma.
El primer "no se puede" jamás debería venir de uno mismo.
¿Cómo vas a convencer a alguien más si tú misma no crees en lo que defiendes?
Objetivo utópico: volar.
Objetivo realista: encontrar la manera.
Andrea Saiz
Desde su infancia, Andrea Saiz se adentra en el mundo de las artes a través del baile, el teatro y la música, iniciando su formación en piano en el Conservatorio Superior Óscar Esplá de Alicante.
Graduada en Interpretación – Teatro de Creación por la ESAD de Murcia, amplía su formación en Dirección Escénica antes de trasladarse a Madrid, donde entra en contacto con la "performance" de la mano del “Hospital de Artistas” dirigido por Juan Gómez Alemán.
De esta experiencia nace su alter ego, Belinda Blind, con quien desarrolla diversas performances entre 2016 y 2024 como #eatme, #dressme o #hangme. También ha colaborado en obras performativas de otros artistas, como Barroque Sacred Cosmology de Marta Pinilla o 1,2,3 ¡Performa! junto a Elisa Miravalles. Paralelamente, Andrea continúa su camino en las artes escénicas, alternando su faceta creativa como actriz y directora de piezas teatrales.
"Oxímoron" con Checho Tamayo
"Oxímoron" surge de una investigación a largo plazo que reconfigura el fútbol como danza popular y "performance" comunitaria, desafiando las fronteras entre la práctica deportiva y el arte contemporáneo.
En esta pieza se explora en profundidad el potencial coreográfico, visual y sonoro del fútbol, revelando conexiones insospechadas entre movimiento emoción.
Fútbol y danza. lo popular y lo refinado. lo místico y lo histórico. Elementos que se funden en los pliegues de un cuerpo en constante tránsito, siempre en búsqueda de nuevas formas de expresión.
Checho Tamayo (Medellín, 1994)
Creador escénico, performer y mediador, cuya trayectoria artística se origina en el mundo del deporte de alto rendimiento. Tras haber jugado profesionalmente en equipos de Colombia, EE.UU. y México, Tamayo inicia un proceso de transición hacia las artes performativas en Madrid, donde encuentra en la danza y la performance un nuevo lenguaje de exploración corporal.
Su trabajo investiga la relación entre la disciplina física del fútbol y el cuerpo en escena, explorando temas como la resistencia, la competitividad y la vulnerabilidad. Ha sido ganador de la convocatoria INJUVE durante tres años consecutivos y ha presentado su obra en espacios como el Teatro Calderón de Valladolid, el Círculo de Bellas Artes de Madrid y el Salón Nacional de Artistas de Bogotá. En Moritūrī tē Salūtant, su obra más emblemática, utiliza elementos del fútbol y la estrategia deportiva para construir una metáfora sobre el esfuerzo, el sacrificio y la teatralidad del cuerpo en movimiento.
Organización y contacto
Organiza: D.G. de Cultura e Industrias Creativas
Colabora: La Juan Gallery